Juni 2008

From the opening track of their third album, simply called [EM] 3, it's clear that the trio of pianist Michael Wollny, bassist Eva Kruse, and drummer Eric Schaefer works as a musical unit and less as a combo of three individual musicians. Their brand of jazz is less based on the hard bop conventions of theme-improv-theme reprisal; it's more a combination of jazz improvisation and modern composition, and most of the time, there's no real separation between soloist and accompanist. Schaefer provides over half of the album's compositions, with Kruse and Wollny contributing another three songs each. The material ranges from the nervous "Nocturne" to the creepy "Monsters" with its intimidating rhythmic repetition, from the dissonant undercurrents of "Kiyoshi" to the aggressive but lively "Gravité." Oftentimes, the band sounds reserved, as if the musicians are being careful when entering unknown territory -- as on "Arsène Somnambule," where a sweet and melancholy moment develops slowly into a dramatic peak, followed by a quiet and peaceful finish. It's impressive and challenging listening, even though there is such a somber, serious, and often somewhat abstract quality to the music that it's difficult to really delve into it -- it seems as if the musicians were trying to keep the listener at a distance. With a little bit of patience, however, the music slowly opens up, and reveals an intelligent and noteworthy album.




This review was written for the All-Music Guide on June 30, 2008.
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Generalüberholung auf Ashlees drittem Album: Kaum wiederzuerkennen.

Ihr erstes Album war eine echte Überraschung: Nicht nur, daß Jessica Simpsons jüngere Schwester keinen Dance-Pop gemacht hat, sondern druckvollen Mainstream-Rock - das Werk war auch noch richtig gut. Das zweite Album war dann schwerer und ernster, aber mit wenigen Ausnahmen ganz im Stil des Erstlings: also trotz mangelnder Frische immer noch freudvoller und hörbarer! als Jessicas gesammelter Output.

Auf BITTERSWEET WORLD, ihrem dritten Album, ist Ashlee kaum wiederzuerkennen. Das fängt schon auf dem Cover an: Wer ist das Mädchen darauf? Avril? Wer mag, kann spaßeshalber die drei bisherigen Albumcovers einmal nebeneinanderlegen: Ashlee schwarzhaarig und ganz jung auf dem Erstling, Ashlee blond und düster auf Nummer Zwei (der erste blonde Goth der Geschichte!), und ein bleichhäutiger, offensichtlich operierter Twentysomething-Zombie auf der Neuen. Irgendetwas läuft da schief.

Kaum wiederzuerkennen ist zunächst auch die Musik: Nachdem Ashlee schon im Titel der ersten beiden Werke (AUTOBIOGRAPHY und I AM ME) ihre Musik an ein starkes Selbstverständnis geknüpft hat, ist hier Schluß mit der Abgrenzung von Jessica. BITTERSWEET WORLD ist über weite Strecken der pure Dance-Pop, mit zackigen Beats, schillernden Keyboards, und nur einem Touch 80's-Retro-Pop-Rock oben drüber gezogen. Freilich übt sie sich auch diesmal in kraftvoller Selbstbehauptung: "I am who I am / And I can't be no one else", singt sie schon im ersten Track. Aber offenbar kann sie das ja doch.

Aber auch nach der Generalüberholung bleibt die neue Ashlee ein unterhaltsamer Pop-Lieferant: Die Industriemechanismen mögen noch schamloser als sonst sichtbar sein, die Songs noch mehr Bubblegum darstellen als auf dem Vorgänger - aber Ashlee bleibt nach wie vor, siehe oben, freudvoller und hörbarer als ihre Schwester, und - im Pop-Kontext betrachtet - ganz einfach besser als viele Kolleginnen. Die erste Single ("Outta My Head (Ay Ya Ya)" ist eine völlig beknackte und gerade deswegen wundervoll funktionierende Hüpfburg, und gleich danach werden in "Boys" die Achtziger so dick aufgetragen, daß man Cyndi Lauper als Duettpartner erwarten könnte (aber die hat sich für Kelly Osbourne entschieden).

Die besten Songs kommen dann in der zweiten Hälfte: "Bittersweet World" ist ein feiner Elektro-Showtune, während in "Hot Stuff" Beats und Rhythmusgitarre mit perfektem Funk tuckern, über dem sich eine Melodielinie auf- und abschlängelt. Danach gleich "Murder", und das rockt tatsächlich. Produziert wurde der Großteil der Songs abwechselnd von Timbaland und von Chad Hugo (eine Hälfte der Neptunes), und beide sehen einfach zu, daß sich dauernd etwas bewegt. Nicht jeder Song funktioniert gleich gut - "Little Miss Obsessive", mit Gastauftritt von Tom Higginson von den, jaja, Plain White T's, ist recht aufgeblasen, und "Rule Breaker" ist eher bemüht rebellisch: "I got a boyfriend / He likes to fight a lot / We got a lot in common / And he thinks I rock / We like to break rules / Both got tattoos / We tend to smash things", shoutet Ashlee da ins Mikro, und trotzdem wird aus der Göre kein Marlon Brando.

Trotz wohlwollender Worte ist es aber nun leider doch so, daß Ashlee im Rock-Gewand eine viel bessere Figur macht als im Dance-Gewerbe, wo ihre flache Stimme zwischen den dicken Beats recht dünn wirkt - zumal das Mädel (beziehungsweise ihr Stall aus Songwritern und Produzenten) mit AUTOBIOGRAPHY ein viel stimmigeres Kleid gestrickt hatte, das man ihr auch abgekauft hat und das im Vergleich zu anderen Pop-Alben durchaus mehr Anspruch hatte.

Sei's drum: Pop ist Fake, Pop bewegt sich, Pop soll unterhalten. BITTERSWEET WORLD ist ein Quickie, aber wenigstens ein spaßiger.





Dieser Text erschien zuerst am 25.6.2008 bei Fritz!/Salzburger Nachrichten.

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As on her last two albums, Myriam Alter doesn't play the piano herself on her fifth record, she "merely" composed eight songs and assembled a sextet to perform them: bassist Greg Cohen, drummer Joey Baron, clarinet player John Ruocco (these three were also on her last album, IF), pianist Salvatore Bonafede, cellist Jaques Morelenbaum, and soprano saxophonist Pierre Vaiana. And even though she doesn't play a note on the album, her presence is strongly felt at any given time in the compositions that encompass jazz, classical music, and various European influences. The rhythm section is at the heart of the record -- listen how effortlessly Cohen and Baron provide a rhythmic bed for the other musicians, and how Bonafede provides just the right amount of texture on top of that -- but the defining sound of WHERE IS THERE is Morelenbaum's bittersweet cello, giving the songs a wealth of different moods. The record feels "light" in the best possible sense of the word: the music possesses elegance and clarity that turn each of the tracks into a gem. From the joyful opening track, "Was It There," to the somber "September 11," the album is very visual and invokes a great number of images. Wherever the album title's "there" is, the journey is a rewarding experience.




This review was written for the All-Music Guide on June 24, 2008.

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In theory, the debut album by Salzburg, Austria-based group Roia, CUTE LITTLE FEAR, is an admirable affair. Their splendidly textured electronic pop shows that the group is pursuing a musical vision of their own rather than following current trends. The dreamy, trip-hop inspired songs have warm, full basslines and electric pianos over lush synthscapes and subdued programmed drums, with the occasional touch of drum'n'bass ("Suicide Butterfly on Your Back"). Everywhere throughout the record, echoing sounds fill the songs, and the fact that there is a male and a female singer (Nina Hochrainer and Dorian Wimmer) adds variety to the vocals. Unfortunately, in practice, the album isn't as exciting to listen to as the description may suggest. Both vocalists have pleasant, soft voices, but for the most part they feel bodyless and don't demand any attention -- and neither does the music itself: almost all of the songs have the relaxed tempo of your typical chill-out compilation, and there's no friction or drama in the songs. The whole record is so laid-back that ultimately it all becomes background music. There are a few exceptions: the first single, "Suicide Butterfly," is a sweet little pop song, "Humanize" has stronger vocals by Hochrainer, "Another Day" has a faster pace, and the album's best song, "Two Worlds Apart," has a dark undercurrent and a much more refined sense of space and dynamics. But these are just a few moments on an otherwise unenergetic record. It's all professionally produced and performed, but there's never a sense of urgency. Of course, "Roia" means "dream" in Persian, but even dreams can feel vivid and lively. Let's hope the group develops a bit of an edge on their second release.




This review was written for the All-Music Guide.

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Heute habe ich das Salzburger Filmjahrbuch 2006_2007 erhalten, in dem Einträge zu meinen Kurzfilmen SCHLAFLOS und TUTMOSIS enthalten sind (etwas schief gescannt, weil ich das Buch nicht komplett kaputtbiegen wollte):



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In October 2006, Jack Bruce performed a one-off concert with the hr-Bigband, the big band of Hessischer Rundfunk, the public broadcasting network of the German state of Hesse. They invited him to revisit several stages of his career in a new setting, and the results could be witnessed at the Frankfurt Jazz Festival -- and on this live recording. The album -- which curiously lists the big band as the main performer, with Bruce as a "featured" musician, even though it's Bruce's show all the way through -- sounds a bit odd at first, despite its good quality of recording: maybe it's just Bruce's idiosyncratic singing, which sometimes creates the impression that he's not fully aware of any band playing behind him ("Smiles and Grins," "Deserted Cities of the Heart"), or maybe it's the reverb on his vocals, which at some points gives the impression that they're overdubbed. They're not, of course, and once you get used to the mix, this diverse and energetic performance can be fully enjoyed. Not surprisingly, most of the songs are deeply rooted in the blues, and also not surprisingly, Bruce revisits some Cream tunes, among them Willie Dixon's "Spoonful" and "Sunshine of Your Love." The large horn section isn't as prominent as could be expected -- on several tracks, they simply provide a lush backing to the rhythm section ("Rope Ladder to the Moon," on which Bruce plays acoustic guitar). On a trio of songs in the middle of the concert, Bruce switches from his electric bass to piano ("Theme from an Imaginary Western," "Milonga," and "The Consul at Sunset"), but the best moments of the performance are the powerful renditions of "Spoonful" (with a wild guitar solo by Martin Scales) and "We're Going Wrong." The unusual setting seems to energize Bruce, and the balance between the familiar and the unexpected makes for an exciting listening experience.




This review was written for the All-Music Guide on June 16, 2008.

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Allein das Booklet ist grandios: Da posiert Kate Ryan mit sieben verschiedenen Outfits und einem einzigen Gesichtsausdruck. Auf jedem Bild grinst sie keck den Betrachter an - abgesehen von dem einen Bild, wo nur ihre Beine fotografiert wurden - und trägt dabei mitunter Klamotten, bei denen das Preisschild vermutlich größer war als das erworbene Textil. Alle Bilder, auf denen Käte ernst schaut (und glatte 10 Jahre älter aussieht), sind auf ihrer Homepage zu finden.

Kätilein macht Dance-Pop, und zwar diese Art von Euro-Disco-Techno-Geträller, bei dem flirrende Synths aseptisch durch gleichförmig stampfende Rhythmen wabern. Jeder Song klingt gleich: Das gleiche Tempo, der ewig gleiche Beat, die unendlich langweiligen Keyboards darüber. Und Kate singt dazu simple Melodien rauf und runter. Manchmal auf englisch, aber zur Hälfte auch auf französisch: "Pour quel amour saurais-je un jour", singt sie dann, was soviel heißt wie "Wer hat den Mais gefuttert".

Auf ihrer Homepage steht ja nun, daß Kate eine Singer-Songwriterin ist. Jetzt mal abgesehen davon, daß von den 13, räusper, Liedern auf dem Album - immerhin ihr viertes! - nur eines von ihr stammt und sie bei zwei weiteren irgendwas mitgedichtet hat, wähnt man Kate definitiv nicht im Café um die Ecke, wo sie mit der Akustikgitarre Lieder aus dem Leben zum Besten gibt. Wenn Kate Ryan eine Singer-Songwriterin ist, dann sind Pearl Jam Jazz, Manowar machen Disco, und Madonna ist Zwölftonkomponistin. Echt nicht, Kate.


Eigentlich entzieht sich Musik wie diese ja der kritischen Rezeption. Sie ist nämlich nicht für Leute gedacht, die gerne Musik hören. Kate Ryans Beackern des Dancefloors ist funktional ausgerichtet: Der Sound soll nämlich exakt dort funktionieren, wo unter Lichtgeflirre und schwitzendem Auf- und Abhüpfen ohnehin schon egal ist, was da mit viel Rumms auf die Eins wummert. Zum aufmerksamen Anhören ist das richtig grausam, von vorne - ganze Rinderherden stampfen durch das 1:1-Cover von "Voyage, voyage" und das bemitleidenswerte "Ella Elle l'a" - bis ganz hinten, wo einfach jeder Song nach dem exakt gleichen Strickmuster abläuft. James Last hat auf fünftausend Alben mit seinem Tanzorchester das gleiche Prinzip verwendet: Ein Rhythmus für 45 Minuten, ein paar Melodien drüber, immer lächeln dabei und ja niemanden überfordern.

Natürlich kann man sich das lang genug anhören, bis es nicht mehr weh tut. Dann findet man auf einmal "We All Belong" irgendwie ganz lustig, weil die Eurosynths mal Pause machen und Percussion zu hören ist. Aber warum sollte man eigentlich? FREE ist so unterhaltsam wie eine Wurzelbehandlung bei Dr. Alban, und musikalisch gesehen ebenso inspirierend.

"No more pain, just let it be / You're free now", trällert Käthe im letzten Lied. Sehr mitfühlend, die Gute.



Dieser Text erschien zuerst bei Fritz/Salzburger Nachrichten.

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Rapper auf dem Egotrip

Snoop Doggs neuntes Soloalbum ist kein kompletter Alleinflug, aber viel Ego ist durchaus im Spiel.

Ach ja, Musik macht der ja auch. Snoop Dogg ist in der Medienwelt so omnipräsent geworden - als Nebendarsteller in B-Movies, als abstruser Roy-Black-Klon in Handywerbespots, als er selbst in unzähligen TV-Auftritten - daß es fast überrascht, daß jetzt mit EGO TRIPPIN' sein neuntes Album (nach seiner eigenen Zählung) erscheint. Aber natürlich ist Snoop Dogg hauptberuflich Rapper, und um das zu unterstreichen, war das ursprüngliche Konzept von EGO TRIPPIN' so angelegt, daß er ohne Gastauftritte und Mitwirkung prominenter Kollegen sich wieder als Einzelkraft im Musikgeschehen präsentiert. Irgendwo bei den Aufnahmen muß das Konzept dann aber in Vergessenheit geraten sein, weswegen sich jetzt mit Jamie Foxx, Charlie Wilson, Raphael Siddiq, The Neptunes, Too $hort und anderen Musikern durchaus namhafte Co-Stars und Produzenten auf der Platte tummeln. Was soll's, wird sich Snoop gedacht haben - das Ego ist ja trotzdem groß genug, da können wir den Titel ruhig beibehalten.

Über weite Strecken ist der Zusammenschluß von Snoop Dogg, DJ Quik und New-Jack-Swing-Veteran Teddy Riley für die Musik auf EGO TRIPPIN' verantwortlich - und die kann sich im Großen und Ganzen auch wirklich sehen (bzw. hören) lassen. Dicke, aber rhythmisch clever eingesetzte Beats, hier ein wenig Anleihen bei Seventies-Soul und -Funk, dort ein wenig modernere Spielereien wie verzerrte Stimmen, mal flott, mal balladesk, und gelegentlich singt Snoop sogar. Die wirkliche Stärke seiner Songs besteht aber immer noch in seinen Raps, in seiner ganz unaufgeregten, weichen und unverkennbaren Stimme, mit der er in seinem ganz eigenen Rhythmus die Beats akzentuiert, um sie herumtänzelt und sich von ihnen treiben läßt. Wen kratzt es da schon, daß er immer mal wieder mit ganz dicker Hose dasteht und von seinem aufregenden Hollywood-Leben, von den ganzen Mädels und seiner intrinsischen Großartigkeit berichtet? Wenigstens macht er das mit leisem Augenzwinkern.

Der volle Erfolg ist EGO TRIPPIN' dann aber doch nicht. Das Album ist ganz einfach viel zu lang, und nachdem es dann viel zu lange gelaufen ist, kommen noch ein paar Songs. Es hört einfach nie auf. Das wäre weniger problematisch, wenn alle 21 (!) Songs auf den 78 Minuten Spielzeit halbwegs Geniestreiche wären - aber natürlich sind sie das nicht, und so findet sich eine ganze Menge Füllmaterial zwischen den Perlen. Am besten ist der minimalistisch-abstrakte "Gangster Like Me", dann kommt in der Mitte das straight groovende 80's-Disco-Pop-Cover "Cool", die spannende Neptunes-Frickelei "Sets Up", und das schön alberne "Deez Hollywood Nights". Auch das quer aus den Boxen drückende "Staxxx in My Jeans" gefällt. Irgendwo kommt dann sogar ein Ausflug ins Countryfach ("My Medicine", gewidmet Johnny Cash, einem "real American gangster"), aber dazwischen ist immer wieder soviel gerade mal adäquat hörbares, daß es ermüdend wirkt. Die Nummer-1-Single "Sexual Eruption" (in der braven Version auch "Sensual Seduction" genannt) ist wenig erbaulich, sondern nervt mit nöligem Cher-Vocoder, und bis man dann irgendwann bei dem starken Soul von Track 21, "Can't Say Goodbye" (offenkundig!) angelangt ist, ist die Aufmerksamkeit natürlich schon lange weg.

Aber gut, man kann sich das Ganze ja einteilen und die Rosinen herauspicken. Uns hätte es freilich trotzdem besser gefallen, wenn das Album als eine Einheit funktioniert. Egal: Snoop darf weiterrappen, ob nun mit einem Ego oder mit mehreren.





Dieser Text erschien zuerst am 12.6.2008 bei meinSalzburg/Salzburger Nachrichten.

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"Ich glaube es erst in dem Moment, in dem ich die Kinokarte in der Hand halte", habe ich vor kurzer Zeit noch voll Überzeugung mehrfach zu Protokoll gegeben, wenn irgendwo wieder Gerüchte und angebliche Neuigkeiten zu einem vierten Teil der Indiana-Jones-Reihe auftauchten. Immerhin haben Steven Spielberg und Produzent George Lucas schon seit Jahren immer mal wieder über einen vierten Teil geredet, der dann wieder doch nicht gemacht werden sollte, dann wieder doch, und die Zeitspanne seit Indys letztem (!) Kreuzzug, der 1989 die Kinos füllte, wurde immer länger. Zumal ja Harrison Ford nicht jünger wurde, und zumal Teil 3 ein schöner Abschluß einer Trilogie war. Irgendwann gab es ein Skript von Frank Darabont, das Spielberg und Ford mochten, aber das von George Lucas abgelehnt wurde, und so hätte ein vermeintlicher vierter Teil die wartenden Fans noch viele Jahre bei der Stange halten können, ohne sich je zu manifestieren. Ich hatte schon lange nicht mehr daran geglaubt.

Aber plötzlich tauchen die Kinohelden der vergangenen Jahrzehnte dem Jugendwahn zum Trotz wieder im Kino auf - allesamt haben sie eigentlich das Alter überschritten, in dem man von ihnen noch temporeiche Action erwarten würde, und allesamt punkten sie gerade deshalb, weil sie zu keinem Zeitpunkt vorgeben, noch jung und unverbraucht zu sein: Sylvester Stallone erzählt eine anrührende Geschichte über das Älterwerden in ROCKY BALBOA und schickt sein faltiges Knautschgesicht in RAMBO in seine härteste Schlacht; Bruce Willis kämpft als analoger Cop in STIRB LANGSAM 4.0 mit dem so wenig greifbaren digitalen Zeitalter der Nuller Jahre - und Harrison Ford? Der fügt sich problemlos in die Reihe ein und macht mit grauen Haaren und tieferen Furchen im Gesicht immer noch eine so gute Figur wie vor 20 Jahren.


Ja, und da hielt ich nun die Kinokarte in den Händen. Wenn man einen Teil seiner Kindheit bzw. Jugend wieder besucht, besteht ja immer die Gefahr, entweder der aufgewärmten Nostalgie zum Opfer zu fallen, oder festzustellen, daß man selber schon älter geworden ist und die Erinnerungen lieber dort gelassen hätte, wo sie sich gebildet haben. Natürlich kamen gleich zum Kinostart die großen Schlagzeilen aus Cannes, wo der Film gar nicht geliebt wurde - welch Wunder, wo doch die Beliebtheit der Indy-Filme großteils völlig unabhängig vom Universum der kritischen Rezeption steht! Aber natürlich: In dem Moment, in dem das Licht im Saal ausgeht, mischt sich die Erinnerung, vor so vielen Jahren im LETZTEN KREUZZUG im Kino gesessen zu haben, und die gespannte Freude darauf, in einem erneuten Abenteuer wieder wie ein Kind staunen und mitfiebern zu können, mit einer gewissen Sorge, die sich im Hinterkopf breitmacht - was, wenn es diesmal nicht funkt? Was, wenn George Lucas wieder nicht verstanden hat, was an den eigenen Filmen so großartig war, und alles mit hohlem Spektakel zukleistert? Bitte, laß ihn gut sein!

Natürlich weiß Spielberg, wieviele Erwartungen an den Film geknüpft sind, und wie hoch dadurch die Gefahr der bodenlosen Enttäuschung ist. Und er geht die Angelegenheit sehr geschickt und ganz mühelos an, indem er sich anfangs erst einmal gar nicht sehr anstrengt - vielmehr entfaltet er ein ironisches Spiel mit der Ikonographie der Serie, das uns langsam wieder in Indys Welt zurückführt, die in unseren Köpfen so über-lebensgroß geworden ist. Der alte Paramount-Berg im Logo wird nicht wie im ersten Teil zu einem richtigen Berg im südamerikanischen Dschungel, sondern zu einem Maulwurfhügel. Dann donnert eine Autokolonne durch die Wüste, und ein Mann, den wir nicht sehen, wird vor einer großen Lagerhalle von finsteren Soldaten aus einem Kofferraum gezerrt und zu Boden geworfen. Neben ihm fällt sein Fedorahut zu Boden, den er langsam aufsetzt, nachdem er sich wieder aufgerappelt hat. Ganz klar: Ford setzt nach langer Zeit den Hut wieder auf und startet in ein neues Abenteuer. "Mit so vielen Typen sind wir doch schon früher fertiggeworden", sagt Indys Mitgefangener. "Da waren wir jünger", knarzt Ford aus seinem verstaubten Gesicht heraus, und er zeigt diese schiefe Andeutung eines Grinsens, in der er nur kurz einen Mundwinkel hebt, quasi als Augenzwinkern uns gegenüber: Natürlich wissen wir, daß auch ein älter gewordener Indiana Jones spielend mit einem Dutzend russischer Soldaten fertig wird.


Die Geschichte, die sich dann entspinnt, reiht sich nahtlos in die Groschenheft-Abenteuer der vorigen Teile ein, in denen in atemlosen Verfolgungsjagden sagenhafte Artefakte an exotischen Orten gesucht werden, während endlose Abgründe, Fallen, Rätsel und sinistre Schurken dem Stehauf-Archäologen zusetzen. Das war schon 1981, beim allerersten Indiana-Jones-Film, ganz in der Tradition spektakulärer Serials und Abenteuerfilme aus den Dreißigern (wer GUNGA DIN nicht gesehen hat, wird den TEMPEL DES TODES nur halb genießen können) und den phantastischen Abenteuererzählungen von Henry Rider Haggard bis zu den tausendfach publizierten Pulp Fictions. Die Zeit, die im tatsächlichen Leben zwischen Indys drittem Abenteuer und dem neuen Film verstrichen ist, ist auch im Film-Universum vergangen, weshalb Teil 4 nun in den Fünfzigern angesiedelt ist, die mit Rock'n'Roll, Kommunistenangst und Atombombentests wie eine Art Revue aus den Bildern dieser Dekade inszeniert werden. Weswegen natürlich auch keine Nazis mehr, sondern russische Soldaten als Instant-Finsterlinge fungieren, die unter Leitung von Irina Spalko (Cate Blanchett mit strenger Domina-Frisur), Leiterin des Insituts für Parapsychologische Forschung in Russland, die Roswell-Funde stehlen und hinter das Geheimnis der mysteriösen Kristallschädel zu kommen versuchen (besagte Schädel wurden in Mittel- und Südamerika gefunden und werden der Inka-, Maya- und Aztekenkultur zugeschrieben, obwohl sie nicht genau datiert werden können - einige dieser Schädel wurden mittlerweile als Fälschungen identifiziert). Indiana Jones wird eher unfreiwillig in die Geschichte hineingezogen, aber er muß auch diesmal nicht alleine kämpfen: Ein junger Halbstarker (Shia LaBeouf) begleitet ihn, der sich später bei einer Begegnung mit Indys alter Liebe Marion Ravenwood (Karen Allen, aus dem ersten Film) als sein Sohn entpuppt.

Der weitere exakte Ablauf der Geschichte ist natürlich komplett egal, weil es schlußendlich nur darum geht, wer gerade das Artefakt besitzt und wer als erster zum sagenumwobenen Tempel kommt, in dem dreizehn dieser Schädel zusammengeführt werden sollen - "ein Wettlauf gegen das Böse", wie Henry Jones Sr. ja schon im dritten Teil so schön erläuterte, auch wenn diesmal nicht ganz klar ist, warum das Objekt so wichtig ist und niemals den Russen in die Hände fallen darf - obwohl es ja irgendwie einleuchtend erscheint, daß 1957 schlichtweg nichts den Russen in die Hände fallen darf. Obwohl die Kristallschädel nicht so stark als MacGuffin funktionieren wie die Bundeslade oder der heilige Gral - gerade zu letzterem war ja wenig Erläuterung nötig - ist es durchaus reizvoll, wie Spielberg und Lucas auch hier wieder Legende, Phantasie und ein paar geschichtliche Fakten vermengen: In der Tat gab es parapsychologische Forschungen in Russland (wie ja auch die Nazis tatsächlich nach okkulten Gegenständen suchten) - wahrscheinlich, weil man lieber kurzfristig als leichtgläubig dastehen wollte als langfristig als Verlierer - und in der Tat ranken sich einige Legenden um die Kristallschädel. Alles andere ist natürlich Schall und Rauch und Phantastik und wird nur von übereifrigen und freudlosen Historikern mit einer dokumentarischen Auseinandersetzung mit den Wundern dieser Welt verwechselt.


Na gut, dann hätten wir das Gerüst ja mal abgefrühstückt - kümmern wir uns also um die weitaus wichtigere Fragen: Zündet der Film? Ist er aufregend? Spannend? Humorvoll? Wie schlägt sich Ford? Wie ist die Dynamik zwischen ihm und Shia LaBeouf, seinem Sohn? Funktioniert das Wiedersehen mit Marion? Können wir staunen, lachen, mitfiebern? Mal ganz gerade heraus gefragt - is it fun? Also: mitreißender, wunderbarer, magischer fun?

Ja. Auf alles. In jeder Hinsicht. Spielberg (der den Film zusammen mit seinem Kameramann Janusz Kaminski ganz altmodisch im Stil der Trilogie realisierte) inszeniert mit lässiger Hand, führt uns wieder an sagenhafte Orte, die wir zusammen mit den Figuren entdecken können, und feuert ein grandioses Spektakel nach dem anderen ab. Eine der besten Sequenzen des Films ist eine Autoverfolgungsjagd durch den Regenwald, in der Shia LaBeouf und Cate Blanchett auf zwei parallel fahrenden Jeeps die Klingen kreuzen, während Indy im Kampf um den Kristallschädel von einem Auto ins andere und zurück springt und seinen Wagen geschätzte zweieinhalb Millimeter neben eher Steilklippe balanciert. Ford macht, wie schon eingangs festgestellt, eine gute Figur, und sein Schauspiel ist einer der Gründe, warum Indiana Jones so gut funktioniert: Er ist immer nur widerwillig der Held, kämpft immer genervt seufzend, und zwischen seinen staubtrockenen Meldungen ringt er sich beinahe mit Kraftaufwand den schiefen Mundwinkel ab. Blanchett hat sichtlichen Spaß als nimmermüde Kampfmaschine (und läßt nur gelegentlich ihren russischen Akzent schlingern, zum Beispiel mit ein paar perfekten th-s), Shia LaBeouf zeigt gute Präsenz, und Karen Allen ist so sympathisch und resolut wie vor, jawoll, 27 Jahren.


INDIANA JONES UND DAS KÖNIGREICH DES KRISTALLSCHÄDELS macht Spaß. Sehr viel Spaß. So einfach ist es. Und er fügt sich hervorragend in die Serie ein: Natürlich gibt es übertriebene Momente und alberne Witze, aber wer irgendetwas an diesem Film unglaubwürdig und überdreht findet, hat schon lange nicht mehr gesehen, wie Indy mit einem Schlauchboot aus einem fliegenden Flugzeug springt (Teil 2), wie er sich von einem die Klippe herabstürzenden Panzer über einen dürren Strauch nach oben hangelt (Teil 3), oder wie er an ein Periskop geklammert eine U-Boot-Fahrt mitmacht (Teil 1): Das Übertriebene ist quintessentieller Teil der Serie (und natürlich sämtlicher Abenteuergeschichten-Vorbilder) und wird trotzdem durch Fords nüchternes Spiel immer geerdet.

Und Spielberg selbst hat sichtliches Vergnügen am Spielerischen und läßt dem jungen Kinoliebhaber in sich freien Lauf: Shia LaBeouf tritt in den Film wie einst Marlon Brando in THE WILD ONE. Überall sind Verbeugungen vor den ersten drei Teilen - in den Bildern, in der Musik. Ob er viele Frauen nach ihr hatte, will Marion von Indy wissen. "Ein paar", grummelt er, "aber sie hatten alle ein Problem." Dann macht er sich bereit, ein Heer von Russen zu erledigen und fügt noch erklärend hinzu: "They weren't you" - einer von vielen Momenten, in denen das Geschehen auf der Leinwand das Gefühl des Zusehers und des Fans einbezieht, der ja nie im Leben die kreischende Willie Scott oder die verräterische Elsa Schneider bevorzugen würde. Für Spezialisten gibt es eine Sequenz, die aus einer frühen Version des ZURÜCK-IN-DIE-ZUKUNFT-Skripts abgewandelt wurde. Ganz zum Schluß will Shia LaBeouf den Fedorahut aufsetzen, aber Indy nimmt ihn ihm weg: Noch setzt sich Harrison Ford nicht zur Ruhe. Und ein bißchen Raum für den jetzigen Spielberg findet sich auch - in der Klage, daß das Land wegen McCarthys Hetzjagd nicht mehr dasselbe ist (in vielen seiner jüngeren Filme kommentiert Spielberg die aktuelle Entwicklung in Amerika), oder in der wehmütigen Beobachtung, daß es einen Punkt gibt, wo das Leben aufhört, einem Dinge zu geben, und dafür anfängt, sie einem wegzunehmen.


Freilich werden viele Kinogänger sagen, daß Teil 4 nicht so gut ist wie die ersten drei, wie ja auch Blicke in Online-Foren bestätigen: Wieder aufgewärmt, schlecht geschrieben, nicht dieselbe alte Magie, die üblichen Beschwerden eben. Die Wahrheit ist natürlich die, daß sich nicht der jetzige Film von den früheren so sehr unterscheidt - sondern das jetzige wir vom früheren. Für die meisten von uns repräsentieren die ersten drei Filme eine andere Zeit in unserem Leben - eine unbeschwertere Jugend, in der viele Alltags- und Karrieresorgen noch nicht existierten, und in der wir problemlos über lange Zeit in eine andere Welt eintauchen konnten, die wir bei allem Spaß und aller Freude sehr ernst genommen haben: Mit 11 Jahren ist Indys phantasische Welt doch so viel lebendiger und echter als die eigene. Heute sind wir älter, abgeklärter, haben weniger Zeit und Sinn, uns in Geschichten hinein zu fanateln, wir haben Berufe, Karrieren, Steuererklärungen und eine Miete zu zahlen. Deswegen betrachten wir auch vieles anders: Natürlich fühlt sich wenig so unbeschwert an wie früher. Das Geheimnis vom KÖNIGREICH DES KRISTALLSCHÄDELS? Wenn wir uns auf den Film einlassen und den abgeklärten Teil von uns abschalten, dann können wir wieder 11 Jahre alt sein. Zumindest für die Zeit von zwei Stunden.


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Lichtspielplatz #4 - BRIDGE OF SPIES und die Politik von Steven Spielberg






Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels (USA 2009)
Originaltitel: Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull
Regie: Steven Spielberg
Drehbuch: David Koepp, George Lucas, Jeff Nathanson
Kamera: Janusz Kaminski
Musik: John Williams
Produktion: Lucasfilm / Paramount
Darsteller: Harrison Ford, Shia LaBeouf, Karen Allen, Cate Blanchett, Ray Winstone, Jim Broadbent
Länge: 122 Minuten
FSK: 12


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